KUNST UND DIE SHOAH
Amandine Bardou -
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Jenseits des Leidens, zwei Visionen des Grauens:
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Zoran Music "Wir sind nicht die letzten"
Der Comic im Dienste der Erinnerung
* Pascal Croci,
* Art Spiegelman,
Léo Haas, Theresienstadt, 1943
Das Wörterbuch
Wie trägt die grafische Kunst zur Erinnerung an den Holocaust bei?
In einem ersten Schritt werden wir uns dem Thema des Lebens der Künstler nähern, und zwar genauer das Leben, das sie in den Lagern geführt haben. Dann betrachten wir die Kunst als Zeugnis, zusätzlich zum Ausdruck von Schmerz. Schließlich das Thema Kunst und die jungen Generationen, die ebenfalls zur Ewigkeit der Erinnerung an den Holocaust beitragen.
EIN KÜNSTLER IN EINEM CAMP SEIN:
Das Leben der Künstler, ob innerhalb oder außerhalb der Lager, unterscheidet sich von dem anderer Männer. Das Geschenk, das ihnen gegeben wurde, wird es vielen von ihnen ermöglichen, dem tragischen Schicksal zu entkommen, das ihnen die Lager versprachen. Hier sind zwei Beispiele von diesen Männern, die durch ihre Kunst existieren konnten.
Boris Taslitzky wurde am 30. September 1911 in Paris geboren. Seine Eltern, russischer Abstammung, flüchteten nach dem Scheitern der Revolution von 1905 nach Frankreich. Seine Mutter starb bei der Deportation in Auschwitz.
Mit 17 Jahren trat Boris in die Ecole nationale des Beaux-Art de Paris ein. Ende 1933 trat er der Kommunistischen Partei bei. Am 2. März 1937 erscheint die erste Ausgabe der kommunistischen Zeitung Ce soir. Jouis Aragon
Am 26. August 1939 mobilisiert, tritt der Soldat Boris dem 11. Infanterieregiment in Meaux bei. Nach seiner Flucht aus der Haft engagierte er sich aktiv in der Organisation " Front national de lutte pour la libération et l'indépendance de la France " bis zum 13. November 1941, dem Datum seiner Verhaftung. Am 11. Dezember 1941 wurde er von einem Militärgericht zu zwei Jahren Gefängnis verurteilt, weil er "mehrere Zeichnungen für die kommunistische Propaganda" angefertigt hatte.
Nach seinem Urteil wird Taslitzky auf das zentrale Haus von Riom im Puy-de-Dôme verwiesen. Am 23. Juli 1943 wurde er in das Gefängnis von Mauzac in der Dordogne verlegt. Am Ende seiner Strafe wird er in das überwachte Aufenthaltszentrum von Saint-Sulpice-Ia-Pointe im Tarn gebracht. Dort malte er große, revolutionär inspirierte Fresken auf den Bretttrennwänden von fünf der Lagerbaracken. Der Erzbischof von Toulouse, der das Gemälde zur Verfügung stellte, willigte sogar ein, die Kapelle auf Wunsch einiger seiner Kameraden zu dekorieren.
Am 30. Juli 1944,
Das politische Engagement
1971 wurde er Professor an der Ecole nationale supérieure des arts décoratifs in Paris. Am 7. März 1997 erhielt Boris Taslitzky die Orden der Ehrenlegion für den Widerstand und die Deportation.
Die Analyse einiger Bestandteile einer Tabelle ermöglicht es uns, die verschiedenen Elemente zu unterscheiden und ihre mögliche Bedeutung zu erkennen.
Wir wählten ein Gemälde von Boris Taslitzky mit dem Titel: Das kleine
Dieses Öl auf Leinwand aus dem Jahr 1945 wurde vom Maler nach seiner Freilassung anhand von geheimen Zeichnungen, die er im Lager angefertigt hatte, aus der Erinnerung hergestellt. Wir haben dieses Gemälde ausgewählt, das unsere Aufmerksamkeit auf sich ziehen wird; es hebt sich farblich von den anderen Werken ab. In der Tat wurden die Zeichnungen oder Bilder über die Lager und die Deportation oft in grauen, traurigen Farben übersetzt. Künstler, ob sie deportiert wurden oder nicht, stellen immer eine kausale Beziehung zwischen der Deportation und dem Grauen her.
Die plastischen Elemente oder Achsen sind die Formen, die Zusammensetzung und die Farben.
1) Formen und Zusammensetzung:
Durch die Vereinfachung des Bildes mit geometrischen Formen oder grundlegenden Linien; dies ermöglicht es, seinen Ausdruck und den vom Autor gewünschten Ausdruck hervorzuheben, ohne ihn jedoch auf ein einfaches Schema oder eine Skizze zu reduzieren.
Es wird also zunächst darauf hingewiesen, dass die Tabelle durch eine horizontale Linie in zwei Hälften geteilt ist. Sie trennt etwa zu zwei Dritteln eine " Masse "von ausgelaugten Figuren, die in der Schlange durch die Baracken hinaustreten oder die Toten mit den Lebenden verwechseln. Dies ist die Darstellung eines wahren Chaos.
Im Vordergrund sieht ein Kind in der rechten Ecke des Gemäldes eine Leiche vor sich.
Auf der linken Seite springen zwei Hunde zwischen den Leichen. Die Männer von SonderKommandos sind mit ihrer schrecklichen Aufgabe beschäftigt und häufen die Leichen an. Sie konzentrieren die gesamte Aktivität des Bildes im Gegensatz zu den anderen Deportierten, die auf den Tod warten, das sind die einzigen aktiven Charaktere.
Im Hintergrund wacht ein deutscher Beamter, der sich durch seine Uniform auszeichnet. Passiv raucht er und hält eine Waffe in seiner rechten Hand. Er stellt die Bedrohung und die Macht dar. Seine linke Hand, die auf der Hüfte ruht, soll einen starken und beeindruckenden Auftritt haben. Dennoch bleibt er von der Szene zerquetscht; er wird weder durch seine Größe, die mit der der anderen Figuren identisch ist, noch durch seinen Platz im Bild hervorgehoben.
Zweitens verdecken die Baracken des Lagers im oberen Teil des Gemäldes die Sicht des Betrachters und isolieren die Szene von der Außenwelt. Sie bilden eine Mauer, eine unüberwindbare und imposante Barriere; sie scheinen grenzenlos, soweit das Auge reicht.
Größere Diagonalen bilden das Bild. Diese Fluchtlinien, die entweder von der Schlange der Deportierten oder vom Dach der Baracken gebildet werden, treffen sich in einem vagen unmerklichen Horizont. Ein Mann steht mit den Händen in den Taschen, der leere und ferne Blick bildet das zentrale Element des Werkes.
Mehr als die anderen scheint es unmöglich, seinen Zustand zu definieren. Ist er tot? Sein halblanges Hemd zeigt einen skelettierten Hals. Er scheint immer noch würdevoll zu sein. Oder ist er nur resigniert? Vor ihm steht ein Wagen, mit dem die Leichen transportiert werden. Diese beiden Elemente scheinen die Deportierten in Lumpen und das Anhäufen von Leichen zu trennen. Er tut auch nichts, er ist die Verbindung zwischen dem Leiden des Lebens und der lang ersehnten Ruhe der Toten, er kämpft nicht mehr.
Im Vordergrund in der Mitte des Bildes ist der Boden leer; wie ein Aufruf, eine "Einladung" auf das Bild zu schauen. Denn wie bei den gefilmten Bildern kommt die Aktion immer aus dem Nichts.
Es gibt also keine vertikale Achse im Bild, keine Höhe zum Himmel. Die vertikalen Linien, aus denen das Werk besteht, sind die gestreiften Pyjamas der Deportierten sowie die Holzbretter der Baracken. Es besteht eine Analogie zwischen diesen Streifen und den Rippen der Figuren. Außerdem ist der Streifen nie neutral. Sie ist in der Regel das Symbol für die Verneinung, d. h. die Aktion, jemanden oder etwas zu streichen bzw. durchzustreichen, um es entweder zur Geltung zu bringen oder zu beseitigen.
Außerdem präsentiert sich der Rahmen des Gemäldes wie ein Fresko, er ist länger als breit. Die Handlung ist in der Zeit fixiert.
2) Die Farben:
Die Farben sind eine Variation von einfachen Tönen wie Rot, Grün und Gelb; verbunden mit Blut, Hoffnung und Licht. Diese lebhaften und fieberhaften Töne verstärken die Gewalt des Bildes. Der Kontrast zwischen diesem und dem weißlichen Farbton von Skelettkörpern ist herzzerreißend. Der Himmel ist auch nicht harmlos, er ist rot und gelb bemalt und trägt die Farben der Hölle, des Feuers. Weiß repräsentiert das Ende eines Kampfes, die Freiheit, die Unschuld.
Dies ist für den Maler vielleicht eine Möglichkeit, die Toten, die die Barbarei der Nazis nicht überleben konnten, in Ehren zu halten. Wollte Boris Taslitsky dem Zuschauer ein Gefühl der Dankbarkeit vermitteln? Indem er sein Gemälde so stark färbt, macht er aus seinem Werk eine Revolte, einen echten Angriff auf das konventionelle Grau oder Schwarz der Totenwelt.
Er repräsentiert das Unvorstellbare, das Unsagbare und revolutioniert damit die Darstellung des Holocaust.
b) Biographie von Serge Smulevic:
Serge Smulevic wurde am 6. April 1920 in Warschau in einer eher bescheidenen Familie mit einem ehemaligen hebräischen Lehrer und einem anderen Rabbiner geboren. Als seine Eltern 1923 in Frankreich ankamen, eröffneten sie ein Hemdengeschäft. Nach dieser ersten Reise fuhren sie weiter nach Petite-Roselle, dann nach Thionville und schließlich nach Nizza, wo beide starben. Serge Smulevic studierte von 1935 bis 1939 an der Hochschule für bildende Künste in Straßburg, wo er seinen Abschluss machte.
Er trat 1942 in die Résistance bei den FTP in Grenoble ein. Dort wurde er verhaftet, weil er gefälschte Papiere gegeben hatte, die er selbst an die Kinder herstellte. Kurz darauf wurde er in das Lager Drancy[1] deportiert, wo er den Schrecken
Hier ist sein Bericht über sein Leben im Lager:
"Da kam mir der Gedanke, mich an einen dieser "privilegierten" ", um ihn zu fragen, ob er möchte, dass ich sein Porträt mache, damit er es an seine Familie senden kann (da sie das Recht hatten zu korrespondieren, genauso wie sie das Recht hatten, Pakete zu erhalten ). [...] Ich glaube, dass ich noch nie ein Porträt so gut gemacht habe wie diesesdort [...] und da ich das nur am Abend nach der Verteilung der Suppe machen konnte, dauerte es eine gewisse Zeit. Und das bedeutete ein Viertel Brot. Was für ein Segen! Dann war ein anderer dieser Herren an der Reihe, und nach und nach sammelte ich Essen [...] So sehr, dass der Häuptling des Blocks, dessen Porträt ich auch gezeichnet hatte, mir erlaubte, über einen kleinen Schrank zu verfügen [...] Privilegierte und Häuptlinge von benachbarten Blocks kamen sehr regelmäßig, um mich zu bitten, ihr Porträt zu machen und bezahlten mich in Essen. Die einen etwas mehr, die anderen etwas weniger.
Und da fing man an, mich "der Mahler" zu nennen, also den Maler oder den Zeichner. Einige haben mich sogar gebeten, ihr Haus zu zeichnen und es detailliert zu beschreiben. [...]
Ich muss mindestens hundert oder mehr Zeichnungen gemacht haben, was viel Arbeit und viel zusätzliches Futter bedeutet. [...]
Wichtig
Ich konnte dadurch, dass ich hunderte von Porträts und anderen Zeichnungen machte, vermeiden zu stehlen und zu manipulieren, weil ich meine Fähigkeiten als guter Zeichner im Lager auf diese Weise genutzt habe, und das hat mir mit Sicherheit das Leben gerettet. [...] Nicht jeder hatte das Privileg, so im Lager zu leben, und ich bin mir dessen sehr bewusst. Die Tatsache, dass ich den ganzen Tag hart als Häftling gearbeitet habe, aber zu wissen, dass ich nach dem Anruf und der Suppe am Abend nach Hause zurückkehren konnte und in Essen bezahlt werden konnte, war so ermutigend für mich, moralisch (und natürlich physisch) Mein Leben im Lager und in der Fabrik wurde dadurch tief berührt."
Mit der Annäherung der Russen wurden die
Die Zeichnungen von Serge Smulevic waren wichtig für das Zeugnis, zu dem sie beitragen. Er zeichnete aber auch als Zeuge beim IG-Farben-Prozess in Nürnberg. Weitere Zeichnungen fertigte er für den Papon-Prozess an.
Zeichnungen von Sala, der Tochter von Serge Smulevic, im Jahr 2004
Der Weg des Todes
Der Überlebende
Zeichnungen von Serge Smulevic für den IG-Farben-Prozess in Nürnberg nach dem Antrag von Mr. Hoffstein, der an dem Prozess teilnahm. |
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Zeichnung von Serge Smulevic während des Papon-Prozesses
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Zber, sein richtiger Name Fiszel Zylberberg, wurde 1909 in Polen geboren. Nach dem Studium der bildenden Künste in Warschau emigrierte er 1936 nach Paris, wo er am 14. Mai 1941 bei einer Razzia verhaftet wurde. Interniert im Lager von Beaune-la-Rolande, dann ins Lager von Pithiviers verlegt, wurde er schließlich am 17. Juli 1942 nach Auschwitz deportiert.
Während seiner Inhaftierung in Beaune-la-Rolande fertigte er die Porträts seiner Mitgefangenen an. Dadurch konnte Zber bis zu seiner Begasung am 26. Oktober 1942 überleben.
Diese Zeichnungen befinden sich nach einer Schenkung im Musée d' Art et d' Histoire du Judaïsme in Paris.
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Die Bedingungen in den Lagern waren nicht einfach. Demütigung, Krankheit, Tod, Horror, das ist alles, was diese Männer und Frauen erlebt haben und es ist unvergesslich für sie. Aber die Erinnerung der anderen war nicht so stark... Das ist der Grund, warum sie das Bedürfnis verspürten, Zeugnis abzulegen, damit niemand vergisst, was passiert ist.
Trotz der Unterdrückung und Folter wird die grafische Kunst während der Konzentrationszeit nicht aufhören zu existieren. Obwohl sie heimlich sind, werden viele Werke (Skizzen, Porträts, Gemälde, Gravuren) in den Lagern produziert. Die meisten wurden bei der Befreiung in den Verstecken innerhalb der Lager selbst oder an Häftlingen gefunden, die sie oft unter Lebensgefahr aufbewahrten.
Zoran Music, Max Ernst, Serge Smulevic, Boris Taslitzky ... um nur einige zu nennen, haben einige sehr schnell andere später die Notwendigkeit der Zeugenaussage verspürt und damit bewiesen, dass man, wenn man nicht ganz aus den Lagern flieht, dennoch versuchen kann, sie zu vertreten.
a) Das Leiden transzendieren: zwei Visionen des Schreckens:
Der Realist interessiert sich für die Natur und die Menschen, so wie sie wirklich sind und nicht idealisiert.
Trotz aller erlebten Schrecken gelingt es Léo Haas, das, was er in seinen Zeichnungen sieht, realistisch zu vermitteln. Und doch ist er ein Beispiel für die Verfolgung von Künstlern in den Konzentrationslagern. Zeitungszeichner, der während des gesamten Krieges in den Lagern interniert war, überlebte Theresienstadt, Auschwitz, Sachsenhausen und Mathausen. Er ist einer dieser illegalen Künstler, denen es trotz der Unterdrückung und sogar Folter gelungen ist, ihre Zeichnungen in Verstecken zu behalten. Léo Haas überlebte in den Lagern und konnte nach der Befreiung seine Zeichnungen aus dem Versteck, dessen Standort er sorgfältig ausgesucht hatte, zurückholen.
Seine Zeichnungen sind einfach, ohne Farben und grober Grafik. Als er jedoch sagte: "Meine Mittel
Zeichnungen von Léo Haas
Der nach dem Ersten Weltkrieg entstandene Surrealismus steht allen logischen, moralischen und sozialen Formen entgegen und stellt ihnen die Werte des Traumes, des Instinkts, des Begehrens und der Revolte im Ausdruck der "Funktionsweise des Denkens" gegenüber.
Unter den aus den Lagern geretteten Künstlern sind diejenigen, die sich für den Surrealismus entschieden haben, am zahlreichsten, vielleicht weil es unmöglich ist, sich die Lager oder einfach nur vorzustellen, weil sie von Anfang an so gezeichnet haben.
Max Ernst ist einer der großen Maler des 20. Jahrhunderts, geboren 1891 in Bruhl (Rheinland). Er lässt sich ab 1922 in Paris nieder und wird zu einem der Mitglieder der surrealistischen Gruppe: Dort zeichnet er sich durch seine Collagen und Abziehbilder aus, bei denen der Traum weit stärker ist als die Realität.
Max Ernst zeichnet im Camp des Milles viele merkwürdige Kreaturen aus Limetten. Einer davon nennt er Die Staatenlosen
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Die Staatenlosen |
Frauenkopf auf einem Turm |
Die Augen der Stille
Max Ernst arbeitet mit Hans Bellmer zusammen. Einige Zeichnungen werden sogar zu zweit angefertigt.
Hans Bellmer wurde 1902 in Katowice in Schlesien geboren. 1938 verließ er endgültig Deutschland, um als Zeichner und Radierer in Paris zu leben. Im Süden Frankreichs wird er im Sommer 1939 in das Camp des Milles eingeliefert. Die Werke von Hans Bellmer haben oft den Ziegel als Grundelement wie in seinem Werk Kopf einer Frau auf einem Turm. Man muss wissen, dass das
Alfted Otto Wolfgang Schuize, genannt Wols, wurde 1913 in Berlin geboren. Schon früh interessierte er sich für die Fotografie und studierte Kunst. Im Jahr 1932 traf er während eines ersten Aufenthalts in Paris auf Max Ernst, Miro und andere. Er besuchte das surrealistische Milieu. Als er mit dem Malen von Aquarellen begann, wurde er Maler. Im September 1939 wird er als deutscher Staatsbürger im Camp des Milles interniert. In den vielen Zeichnungen von Wols wimmelt es von bizarren Charakteren in einer Umgebung, die nicht zusammenpasst. Daraus ergibt sich eine reichliche Sorge, wie die eines schlechten Albtraums. Einer seiner Zeichnungen La Puce erinnert an eine Plage der Lager: die Parasiten. Der Künstler erlebt seine Gefangenschaft sehr schwer.
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Das bewachte Lager |
La Puce |
Wols
Der Surrealismus ist die Verkörperung einer ganzen schwierigen Erfahrung durch Papier und Bleistift oder Pinsel. Diese unglaublichen Bilder spiegeln diese traumatischen und unvergesslichen Erfahrungen wider.
Einige Künstler konnten, bewaffnet mit ihrer Holzkohle, die Horrorszenen auf den Kopf stellen und die an den Insassen begangenen Schandtaten zur Kenntnis nehmen. Jeder konnte dann auf seine Weise, nach seinem Gesichtspunkt, zum gemeinsamen Zeugnis und zu allen Häftlingen und Opfern der Nazis beitragen.
Die Werke dieser Überlebenden mit unterschiedlichen künstlerischen Ansätzen wurden nach und nach der Öffentlichkeit im Rahmen einer Ausstellung vorgestellt. Diese öffentliche Präsentation, die die nationalsozialistischen Gräueltaten bezeugt und anprangert; wird zu einer wahren Verbindung zwischen dem Künstler und der Welt um ihn herum und initiiert dann die ganze Arbeit der Übertragung des Gedächtnisses.
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Zoran Music, ein international bekannter Maler, wurde 1909 in Dalmatien (damals Österreich-Ungarn, heute Kroatien) geboren. Er studierte an der Kunsthochschule in Zagreb und reiste danach nach Italien, Spanien und Paris. Als Mitglied des Widerstands angeklagt, wurde er 1944 in Venedig von der Gestapo verhaftet. Er wurde nach Dachau deportiert und schuf unter Lebensgefahr etwa hundert Zeichnungen, in denen er beschrieb, was er sah: die Hängeszenen, die Krematorien, die Dutzende von Leichen, also das Unbeschreibliche. Nach Aufenthalten in Venedig und der Schweiz kehrt er 1952 nach Paris zurück. Er versucht, das Grauen aus seinem Gedächtnis zu löschen, Träume, Poesie und Lebensfreude beflügeln sein Werk. Aber die Vision der Leichen drängt sich ihm als ein Thema auf, auf das man zurückkommen muss und er fängt wieder an zu zeichnen. Erinnerungen an die Deportation tauchen wieder auf, und er setzt sein Werk fort.
Texte und Kommentare von Zoran Music,
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Ich beginne schüchtern zu zeichnen. Der Ausweg vielleicht. In dieser Gefahr hätte ich vielleicht einen Grund, mich zu widersetzen. Ich probiere zunächst heimlich in der Schublade meines Rundgangs die Dinge aus, die ich auf dem Weg zur Fabrik gesehen habe: die Ankunft eines Konvois, den halb geöffneten Viehwagen und die überfüllten Leichen. Die Reise dauerte einen Monat, vielleicht länger, ohne Essen, ohne Getränke, alles hermetisch verschlossen. Einige Überlebende, die verrückt geworden sind, schreien mit ausgestreckten Augen.
Später zeichne ich im Lager selbst. Die Tage vergehen... Und hier bin ich in den letzten Wochen des Lagers, die Gefahr entdeckt zu werden ist etwas gesunken. Ich finde in der Fabrik Papier und Tinte.
Ich zeichne wie in einer Trance und hänge morbid an meinen Zetteln. Ich war wie geblendet von der unglaublichen Größe dieser Felder von Leichen.
Und die Angst, diese verminderten Formen nicht zu verraten, sie so wertvoll wiederherzustellen, wie ich sie sah, auf das Wesentliche reduziert. Wie zermalmt von ich weiß nicht, was für ein Fieber, in dem unwiderstehlichen Bedürfnis zu zeichnen, damit mir diese grandiose und tragische Schönheit nicht entgeht. Jeden Tag war ich nur für den Tag am Leben, morgen wird es zu spät sein. Das Leben, der Tod, für mich hing alles an diesen Blättern.
Aber werden diese Zeichnungen jemals zu sehen sein? Kann ich sie zeigen? Werde ich hier lebend rauskommen? Wir wussten, dass es beschlossen wurde, dieses Lager und uns darin zu vernichten.
Ich habe gelernt, die Dinge anders zu sehen. Selbst in meiner späteren Malerei hat sich nicht alles radikal verändert. Es ist keineswegs eine Reaktion gegen den Horror, dass ich die Glückseligkeit der Kindheit wiederentdeckt habe. Kleine Pferde, Landschaften von Dalmatien, Frauen von Dalmatien, sie waren schon lange da. Erst danach konnte ich sie anders sehen. Nach dem Anblick dieser Leichen, die von allen äußeren Zeichen entkleidet sind, von allem Überflüssigen, frei von der Maske der Heuchelei und den Unterscheidungen, mit denen sich die Menschen und die Gesellschaft schmücken, glaube ich die schreckliche und tragische Wahrheit entdeckt zu haben, die mir gegeben wurde, zu erreichen. [...]
Als ich 1945 nach Venedig zurückkehrte, begann ich Landschaften und Pferde zu malen. Ich kam aus einem schwarzen Loch, ich brauchte Licht und Raum. Dann begann eine lange innere Arbeit in Paris. Als ich in den 50er Jahren ankam, fand ich mich unter all diesen großen abstrakten Meistern wieder: Wols zum Beispiel. ... Abstraktion war eine endgültige Sache, die einzig richtige und wahre. Aber ich wusste nicht, wie ich an sie herangehen sollte. Sie wurde allmählich zu einem Beruf.
Zwischen 1962 und 1970 habe ich nur noch gezeichnet, nicht gemalt... Ich wusste, dass es herauskommen musste. Ich wusste nicht wie.
Von 1970 bis 1975 kehrt Zoran Music nach Dachau zurück, in die gleichen Mauern, in denen er von 1943 bis 1945 eingesperrt war. Er malt und graviert dann eine Reihe von sechzehn Werken, die unter dem Namen "Wir sind nicht die letzten" zusammengefasst werden. Im Laufe der 1990er Jahre stellte er dann in ganz Europa aus. Die Ausstellung besteht aus seltenen, vor der Zerstörung bewahrten Zeichnungen, die wenige Monate vor seiner Freilassung angefertigt wurden. Sie lädt zu einer Durchquerung aller Epochen und Themen des Künstlers ein: ein ergreifender Zyklus von den Anfängen bis zum Alter, von der unschuldigen Unschuld bis zur Erfahrung des Grauens.
Er war der erste Maler, der zu seinen Lebzeiten im Musée d'Art moderne de la ville de Paris ausgestellt wurde. Seitdem wurde er im Centre Pompidou, im Grand Palais und in Venedig gefeiert. Das Musée Jenisch in Vevey zeigte vom 15. Juni bis 21. September 2003 eine Retrospektive des Malers.
Die Werke von Zoran Music wurden der Öffentlichkeit vorgestellt. Seltsame und schmerzhafte Ausstellung, sie profitiert von einer Cimaise (für die Ausstellung, eine Wand, die geeignet ist, um Gemälde in einer Galerie oder einem Museum aufzunehmen) mit weichem Grau und gleichmäßigem Licht. In einem runden Raum sind alle Zeichnungen von Dachau gesammelt, heimlich auf minderwertigem Papier mit gestohlener Tinte und Bleistiften ausgeführt. Von den rund hundert, die Music im Winter 19441945 sammelte, sind nur noch etwa dreißig übrig. Die anderen wurden verbrannt oder verschwanden zum Zeitpunkt der Befreiung des Lagers.
Auf den meisten dieser Skizzen: skelettierte Körper liegen auf dem Boden oder in rudimentären Särgen. Um Platz zu sparen und weil diese Mumien kein Gewicht mehr haben, werden zwei Leichen kopfüber verstaut. Die Köpfe sind Schädel, denen noch Augen übrig bleiben und diese toten Augen werden riesig, weil es kein Fleisch und keine Haare mehr gibt. Der Blick sieht nur noch das, Schlangen von umgestürzten Leichen, die den Raum füllen, die keine Ruhe lassen, die den Horizont verstopfen.
Die zweite Hälfte der Retrospektive umfasst Gemälde, transformierte und bereinigte Visionen durch das Gedächtnis, spektrale Visionen:
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Die zahnlosen Münder der Toten schreien in der heraufziehenden Nacht. Die Körper sind in der Dunkelheit verschwunden, nur verkrampfte Gesichter und hohle Augen. Es bleibt nur die Besessenheit, von der man sich später schwer befreien kann.
Die Zeichnung ist sehr einfach: Feine Linien zeichnen die Konturen dieser Formen, die durch ihre Schlankheit spitz und spitz geworden sind. Ein paar Schraffuren und Verwischungen lassen die Schatten an einigen Stellen vermuten. Die Hand zittert nicht, sie notiert, was vor dem Zeichner war, wenige Schritte von ihm entfernt.
Mit Kohlestäbchen und erdigen, ausgestorbenen Farben hat Music das Unmögliche versucht und sich dem absoluten Schrecken gestellt. Diese Werke sind ein außergewöhnliches Zeugnis der Deportation und bringen den erlittenen Schmerz und das Leiden perfekt zum Ausdruck. Seine Malerei berührt das tiefste Wesen.
Die deportierten Künstler erzählen die Geschichte der Deportation. Sie geben Zeugnis und stellen der Welt das unvorstellbare Bild der Lager durch die Ausstellung ihrer Werke dar, die ein unerträgliches Alltagsleben unter der nationalsozialistischen Geißel aufzeigen. Sie tragen dazu bei, ihre Erlebnisse in das universelle Gedächtnis einzuprägen und fördern so die Reflexion durch Kunst.
Aber was passiert, wenn die letzten Zeugen verschwunden sind? Die Nachkommen fühlen sich bereits in der Fortführung des Zeugnisses engagiert und verbinden mit der einfachen Aufzeichnung der Tatsachen eine philosophische und moralische Meditation. Sie laden damit die damals noch nicht lebenden Generationen ein, sich ihrer Rolle als neue Zeugen bewusst zu werden, was ihrerseits vielleicht den Wunsch nach einer Weitergabe vermittelt.
Von der Leinwand zur Gravur, zum Plakat, dem Comic, der Fotografie, der Fotomontage oder der Videobearbeitung... durch die Performance oder das Werk vor Ort; Themen, Formen und Mittel sind fast unerschöpflich.
a) Comics im Dienst der Erinnerung
Der Comic, diese so genannte minderjährige Kunst, reibt sich gerne an den großen Ereignissen. Auch wenn die Shoah dennoch eine Ausnahme bleibt.
Pascal Croci wurde 1961 geboren und lebt derzeit in Aveyron. Er widmete sich zehn Jahre lang der historischen und religiösen Karikatur für verschiedene Zeitschriften. Nachdem er mehrere Dokumentationen oder Filme über die Deportation gesehen hatte, veröffentlichte er im Jahr 2000 einen realistischen Comic, der Auschwitz weniger symbolisch darstellt und den Titel Auschwitz trägt.
Dieses Album erforderte fünf Jahre Arbeit wegen der Dokumentation, aber vor allem wegen der Suche nach einem Verleger, denn nur wenige von ihnen wollten sich in diesem Abenteuer riskieren. Es wurde eine Debatte geführt: Können wir die Lager zum grafischen Hintergrund einer Fiktion machen?
In der Tat, dieses Dokument-Fiktion wimmelt von Realismus: eine verlassene, deportierte Puppe, die ihr Überleben den Zeichnungen verdankt, die er auf dem Brief der Nazioffiziere skizziert, endlose Berufungssitzungen des Lagers, "schreckliche Arbeit" des SonderKommandos... Diese Erzählung zeigt Kazile und Cessia, ein Paar, das das Lager von Auschwitz-Birkenau überlebt hat und sich fast fünfzig Jahre später daran erinnert, was sie jeweils auf ihrer eigenen Seite erlebt haben. Durch ihre Augen wird der ganze Schrecken der Deportation suggeriert: das Warten auf den Tod am Eingang der Gaskammern, die Erfahrungen von Mengele...
Aus Anstand und um in einer ernsten Atmosphäre zu bleiben, die der von Auschwitz nahe ist, hat er diese Geschichte in Schwarz-Weiß gezeichnet. Seine Zeichnung, skizziert und leicht eingefärbt, ist trotzdem sehr schön. Er bietet den Anblick von Körpern und Gesichtern, die gebrochen sind, ausgeblutet, mit gigantischen Augen.
"
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Ich hatte auch die Angst, dieselben Bilder noch einmal zu machen
Pascal Croci drängt uns dazu, darüber nachzudenken, ob sich das wiederholen könnte, insbesondere indem er die beiden Figuren 1993 in Ex-Jugoslawien wieder auftauchen lässt, wo sie wegen des politischen Verrats inhaftiert sind. So belebt das Album nicht nur die Erinnerung, sondern verbindet es auch mit der neuesten Aktualität.
Obwohl
Vor allem war dieses Album eine Gedächtnispflicht.
Dennoch verdoppelt Pascal Croci die Erzählung nicht mit persönlichen Fragen, noch inszeniert er seine eigene Geschichte, im Gegensatz zu Art Spiegelman, dem Autor von Maus.
In der Tat spiegelt das Werk vor allem die Persönlichkeit des Künstlers wider, wie er von den Ereignissen beeinflusst wird. Die Konstruktion eines Werkes ist immer von Emotionen, Ideen geleitet.
Maus
Es besteht aus zwei Bänden:
1) Mein Vater blutet die Geschichte
2) Und da fing mein Ärger an
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Die hebräische Instruktion "zakhor! ", "erinnere dich" hat bei der Ausarbeitung dieses Meisterwerks geholfen. Wie ein Architekt sucht der Zeichner nach seinen Ursprüngen. Sie entblößt ihren Autor und enthüllt Bruchstücke ihrer eigenen Vergangenheit, während er uns die Geschichte seiner Eltern erzählt, Überlebende der Todeslager. Er beginnt seine Geschichte mit einer Anekdote, die sehr bedeutsam ist. Art ist zehn Jahre alt und nach einem Sturz auf Rollschuhen verlassen ihn seine Freunde. Als er weinend nach Hause kam, sagte sein Vater: "Deine Freunde? Schließen Sie sich eine ganze Woche in einem einzigen Raum ohne etwas zu essen, dann werden Sie sehen, was die Freunde sind! "
Der Autor teilt dem Leser auch die mit dem Projekt verbundenen Schwierigkeiten mit.
Ab 1979 ist die Szene gesetzt: Juden sind Mäuse, Nazis sind wilde Katzen mit leuchtenden Eckzähnen, Franzosen sind Frösche, Amerikaner sind Hunde und Polen sind Schweine. Jede Bevölkerungskategorie ist auf den ersten Blick erkennbar, ein wenig wie damals mit gelben Sternen oder Dreieckskodierungen in den Lagern. Bei einer Identitätsfälschung erscheint eine Maske auf den Gesichtern der Personen.
Art Spiegelman besucht seinen Vater im Haus der Familie in New York und bittet ihn, ihm seine Geschichte zu erzählen. Der Kranke im Herzen erzählt sein Leben in seiner Heimat Polen, die Begegnung mit Anja, der Mutter von Art, den Aufstieg des Nationalsozialismus, das Engagement in der polnischen Armee, den Krieg und schließlich den Horror der Lager. All dies sind Stunden von Gesprächen, Erzählungen und Porträts. Mit diesen kleinen Mäusen, die ums Überleben kämpfen, durchqueren wir das ganze Polen der dunklen Jahre.
Spiegelmans Strich ist einfach, ziemlich dick. Die Darstellung in Schwarz-Weiß, sehr nüchtern, kann abschreckend wirken. Das Werk hat jedoch eine besondere Ästhetik: keine Fülle von Details, kein Interesse an historischer Wahrhaftigkeit.
Dennoch sind vielleicht mehr als der Holocaust die Vater/Sohn-Beziehungen zentral in Maus. Der Vater, Vladeck
Ein tiefes Missverständnis besteht mit seinem Sohn und sogar darüber hinaus mit der gesamten Menschheit. Man kann sich fragen, ob Vladeck S. als Überlebensextremer das Leben überhaupt nicht vergessen hat... Vielleicht hat Art diese Arbeit tatsächlich unternommen, um sich diesem komplexen Wesen, das sein Vater ist, anzunähern, in der Hoffnung, ihn zu verstehen. Es erinnert auch sehr gut an dieses Gefühl der Schuld; das Gefühl, dort überlebt zu haben, wo andere starben. Es ist diese erdrückende Last, die ihr Vater durch seine unaufhörlichen Beschimpfungen zu übertragen scheint.
Seine Mutter hingegen ist die große Abwesende, deren Schatten über der gesamten Geschichte liegt, und für den Vater ein so tabuisiertes Thema, dass er am Tag nach seinem Tod die Schriften verbrennen wird. Ihr Schicksal erinnert an das eines Primo Levi: sie wird sich 1968 die Pulsadern aufschlitzen.
Maus
Sicher ist, dass diese kleinen Mäuse, die den Mut und die Würde von Riesen bewiesen haben; indem sie die Schrecken der Menschheit anprangern, eine lebendige Fürsprache für die Menschheit inspirieren.
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La Quinzaine littéraire
Aus der unnatürlichen Begegnung zwischen dem Comic und der Shoah entsteht ein Schock. Sie werden diese Bücher nicht unversehrt lesen. Diese Event-Alben sind ein Teil des großen Geschichtsbuchs. Erschreckend und immer voller Emotionen, tragen sie einen unsäglichen Schrei nach Freiheit und Respekt für den Menschen. Sie sind eine nüchterne, aber wunderschöne Hommage an die Millionen Toten von Auschwitz.
Den jungen Generationen stehen heute also zahlreiche Kunstwerke zur Verfügung, die von der Shoah zeugen. Einige von ihnen stellen sich in Form von Denkmälern oder Experimenten dar, die von Künstlern geschaffen wurden, die die Lager nicht unbedingt gekannt haben, aber dennoch für die Pflicht des Gedächtnisses empfänglich sind. Seit einem halben Jahrhundert häufen sich diese Werke "in-situ " in Europa.
Definition: "in-
Künstler oder Architekten, ob Juden, Deutsche, Jüdisch-Deutsche oder andere Nationalitäten, haben sich der Aufgabe gestellt, mit dem Undarstellbaren umzugehen. Eine ganze Repräsentation wurde um die Repräsentation gemacht, nicht des Ereignisses selbst, sondern des Verhältnisses der Erinnerung zu diesem Ereignis.
Es werden die Arbeiten von Jochen Gerz, Christian Boltanski und Shimon Attie erwähnt.
Jochen Gerz wurde 1940 in Berlin geboren. Seit 1966 lebt und arbeitet er in Paris. Seit 1969 fotografiert er. Dann machte er 1972 Videos von Installationen und Aufführungen im öffentlichen Raum. Er erscheint als einer der wichtigsten Protagonisten der Kunst, um das Bild und das Wort, die Information und ihre mediatisierte Realität.
Folgende Projekte wurden durchgeführt:
* 1977:
Jochen Gerz fuhr die Strecke Moskau-Chabarowsk-Moskau in einem Abteil der berühmten Transsibirischen Bahn. Während der Reise waren die Fenster nicht nur geschlossen, sondern auch mit Papier oder Stoff bedeckt, so dass man von außen nichts sehen konnte. Er durchquerte Sibirien auf dem Hin- und Rückweg, also über 16'000 Kilometer. Während der sechzehn Tage, die die Reise dauerte, hatte er sechzehn Platten von Schiefer, legte seine Füße darauf, eine Platte pro Tag, so dass er keine Spuren seiner Passage im Abteil ließ. Alle Beweise für seine Anwesenheit im Zug, Fahrkarten usw. wurden bei der Ankunft verbrannt. So gut, dass man bei seiner Rückkehr nicht mehr genau weiß, ob die Reise wirklich stattgefunden hat oder nicht.
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Gemeinsam mit seiner Frau Esther Shalev-Gerz errichtete er eine 12 Meter hohe, mit Blei bedeckte Säule, auf der Passanten ihre Unterschrift eingravieren konnten. Dieser versank langsam in der Erde und verschwand am 10. November 1993 ganz. An dem Ort, den er besetzt hatte: ein leerer Platz.
Der interaktive Aspekt dauerte also sieben Jahre. Man sah gewalttätige Inschriften, Pistolenschüsse auf die Struktur und auch Unterschriften, die die Operation befürworteten.
* 1990:
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Es ging darum, schrittweise und heimlich 2146 von 8000 Pflastersteinen des Saarbrücker Parlamentsplatzes zu entsiegeln, die Namen der 2146 jüdischen Friedhöfe in Deutschland auf ihre Fundamente einzugravieren und sie dann wieder zurückzugeben. Zu Beginn des Werkes waren die Abdichtung und Einschließung " heimlich, in der Nacht durchgeführt. Doch nach 70 geätzten Kopfsteinpflastern, die in eine Art Untergrund verlegt wurden, beschlossen Jochen Gerz und sein Team, das hauptsächlich aus Kunststudenten bestand, sich an die offiziellen Behörden zu wenden. Das saarländische Parlament unterstützte das Unternehmen und benannte 1993 den Platz "place du Monument invisible" um.
Dieses unsichtbare Anti-Rassismus-Denkmal wird also täglich von den Stammgästen des Saarbrücker Hauptplatzes betreten.
Diese Werke spielen mit der Materialität und Immaterialität der Erinnerung, des Vergessens und des Erinnerns. Jedes Mal kehren die gleichen Problematiken zurück: Verschwinden der Spuren, Zerbrechlichkeit des Zeugnisses, zarte Präsenz der Abwesenheit. Das Denkmal verschwindet, es gibt keine Spuren mehr. Die Bewohner sollen, sei es für ihre fremden Freunde in der Stadt oder für ihre Kinder, das Denkmal erzählen, beschreiben, seine Versenkung zum Beispiel für das Mahnmal Gegen Faschismus usw. schildern.
Der
Boltanski wurde 1944 in Paris geboren und ist ein französischer Künstler, der sich weitgehend selbst beigebracht hat. Seit Jahren hört sein Werk nicht auf, verschiedene und entscheidende Problematiken wie den Tod, die Identität, das Heilige, die Erinnerung, die Banalität, die Familie...
Sein künstlerisches Engagement ist wirklich eine Therapie, eine Rückkehr zu den Spuren und Traumata der Vergangenheit; sei es seine persönliche Geschichte oder die von Anonymen. Er stellt die Biografie dann durch Fotografie, Erzählung, Sammlung oder Präsentation vertrauter Gegenstände dar. Es ist emblematisch für die experimentelle Kunst der letzten Jahrzehnte. Er stellt die traditionellen Parameter des Kunstwerks immer wieder in Frage und kombiniert in seiner Arbeit die unterschiedlichsten Ausdrucksformen, womit er jede Klassifizierung trotzt. Darüber hinaus knüpft er nicht nur die Geschichte an einen bestimmten Kontext, sondern zieht für den Moment eine Fragestellung daraus.
Ein großer Teil seiner Arbeit konzentriert sich auf das, was er "die kleine" nennt
Gedächtnis
Er erinnert sich an die Episoden des Exodus oder des Holocaust mit Installationen, in denen er Kleider pro Kilogramm auslegt und die fleischliche Realität der Geschichte und des Todes bezeugt. Tatsächlich stammen diese geschichtsträchtigen Gegenstände von jemandem. Eine Person hat sie ausgewählt, geliebt, aber das Leben, das sie trugen, ist jetzt tot: sie zu zeigen ist dann wie sie wiederbeleben. Seine Werke beginnen immer mit so unwesentlichen Elementen wie Zeitungsausschnitten, rostigen Blechdosen, alten Fotografien, gebrauchten Kleidern, flackernden Schatten.
*1990:
Es handelt
Boltanski behandelt also Tod und Krieg nicht als abstrakte Konzepte, sondern durch die kleine Geschichte. Große Geschichte ist die Summe kleiner Geschichten. Das kollektive Gedächtnis, das jedermanns Gedächtnis ist und sich nicht dem kleinen Gedächtnis eines jeden anschließt, wird in diesem Fall das von niemandem.
Er zeigt uns also genau den Ort des Gedächtnisses, das verborgen ist wie ein staubiges und vergessenes Archiv, auf das er sich bezieht. Die Erinnerung ist der zentrale Punkt seines Werkes.
Shimon Attie übernahm das ehemalige jüdische Viertel von Berlin, heute im östlichen Teil der Stadt. Entlang dieser verlassenen und menschenleeren Straßen hat er eine originelle Installation geschaffen.
Er fand zunächst Fotos aus den 30er Jahren dieses Viertels mit den Schaufenstern der jüdischen Geschäfte und deren Beschilderungen. Er verwandelte sie in Dias und projizierte sie nachts vor Ort an den Orten, wo sie aufgenommen worden waren.
Shimon Attie, Almstadtstrasse (fruhere Grenadierstrasse) Ecke Schendelgasse, Berlin 1994
Der Künstler begann seine Projektionen im September 1991 und führte sie ein Jahr lang fort. Der Passant
Oder in einer Veranda: Conditorei Cafe, wieder mit frommen Juden in Hüten.
Diese Fotos sind auffallend durch den Kontrast, der sich zwischen der Dunkelheit der Straßen und diesen stark beleuchteten Bereichen einstellt, Lichtquellen, die in der Nacht des Vergessens auftauchen. Im Mittelpunkt dieses Projekts steht die Abwesenheit
Die Installation selbst wurde mit ihren Lichtkontrasten fotografiert, so dass es eine Spur der per definitionem vergänglichen Installation gibt.
Die Künstlerin nahm auch die Reaktionen der Anwohner und Passanten auf. Anfangs waren sie eher für seine Ansiedlung, aber er spürte allmählich eine zunehmende Feindseligkeit gegen ihn. Diese Installationen störten: in der Tat ärgert der Schöpfer oft die Zeitgenossen, die lieber "vergessen" würden.
Ein Mann, der die Projektion auf sein eigenes Gebäude sah, rief ihm zu, dass seine Nachbarn glauben würden, er sei jüdisch und er wolle die Polizei rufen ...!
Angesichts solcher Reaktionen stellt sich die Frage: Kann ein Ereignis wie der des Völkermords an den Juden im Zweiten Weltkrieg in die städtische Landschaft, in Stein und Beton eingebettet werden?
Anfang der 70er Jahre wurde die Frage gestellt, ob man nicht jedes Mal zwei Exemplare von jedem Denkmal bauen sollte. Der erste, um einen historischen Zustand zu fixieren, der zweite, der später verzerrt, transformiert und korrigiert werden soll, trägt permanent die Spur der Haltung der neuen Generationen gegenüber ihm.
Zum Abschluss stellen wir Ihnen eine Art von Kunst vor, die sich zwischen dem Gedenken und der künstlerischen Darstellung befindet, ein Ort, der allen Franzosen bekannt ist und an dem eine enorme Einrichtungsarbeit geleistet wurde.
Während die grafische Kunst
Unweit der Gedenkstätte befindet sich die Mauer der Namen, auf der die Namen von 76.000 deportierten und vernichteten Juden eingraviert sind. Diese Mauer gibt Kindern, Frauen und Männern eine Identität zurück, die einige Nazis entmenschlicht haben wollen.
Die Namenswand hat eine wahre Symbolik. In der Tat sind seine Wände sehr dicht, so dass die Menschen, die zwischen ihnen zirkulieren, ein Gefühl der Unterdrückung haben. Andere Symbole müssen noch analysiert werden, wie die schwarze Schrift der Namen oder die Tatsache, dass sie nacheinander und nicht in Spalten geschrieben wurden. Hinzu kommen die jüngsten Gedenkfeiern in Paris, und auch die Mauer der Namen gehört zu den unvergesslichen Denkmälern, die die Shoah in unsere nunmehr unauslöschliche Erinnerung einschreiben.
Die Kunst hat enorm zur Arbeit der Erinnerung beigetragen. Durch die Symbolik der Shoah in allen Formen und zu allen Zeiten ist es dem Menschen gelungen, eine Botschaft zu vermitteln: "Nie wieder so etwas". Das ist es, was die geretteten Deportierten und ihre Angehörigen wollten, das haben wir selbst verstanden, und deshalb bringen wir auch diese Botschaft weiter...
Das literarische Magazin
Le Monde
Die Welt der Bildung
Die Welt der Debatten
Beaux Arts Magazine
Maus
Auschwitz
Einführung in die Bildanalyse, Martine Joly
Internetadressen:
http://www.memorialdelashoah.fr/
http://perso.wanadoo.fr/d-d.natanson/artiste_milles.htm.
http://olivier.mercadier.free.fr/