KUNST UND DIE SHOAH
Amandine Bardou -
I- Künstler in einem Lager sein
*
Jenseits des Leidens, zwei Horrorvisionen:
*
Zoran Music "Wir sind nicht die letzten"
Comics im Dienste des Gedächtnisses
* Pascal Croci,
* Art Spiegelman,
Léo Haas, Theresienstadt, 1943
Das
Wie trägt die grafische Kunst zum Gedenken an die Shoah bei?
In einem ersten Schritt werden wir das Thema des Lebens der Künstler mit genauer dem behandeln, das sie in den Lagern geführt haben. Dann werden wir uns mit der Kunst als Zeugnis befassen, neben dem Ausdruck eines Schmerzes. Dann schließlich das Thema der Kunst und die jungen Generationen, die ebenfalls zur Bewahrung des Gedenkens an die Shoah beitragen.
EIN KÜNSTLER IN EINEM LAGER SEIN:
Das Leben der Künstler, ob innerhalb oder außerhalb der Lager, unterscheidet sich von dem anderer Männer. Das ihnen gewährte Geschenk wird es vielen von ihnen ermöglichen, dem tragischen Schicksal zu entkommen, das ihnen die Lager versprachen. Hier sind zwei Beispiele dieser Männer, die es verstanden haben, durch ihre Kunst zu existieren.
Boris Taslitzky wurde am 30. September 1911 in Paris geboren. Seine Eltern, die russischer Herkunft waren, flüchteten nach dem Scheitern der Revolution von 1905 nach Frankreich. Seine Mutter starb bei einer Deportation nach Auschwitz.
Mit 17 Jahren trat Boris in die École nationale des beaux-arts de Paris ein. Ende 1933 trat er der Kommunistischen Partei bei. Am 2. März 1937 erschien die erste Ausgabe der kommunistischen Zeitung Ce soir. Jouis Aragon
Am 26. August 1939 mobilisiert, schließt sich der Soldat Boris dem 1. Oberkommando der Infanterie in Meaux an. Nach seiner Flucht aus der Gefangenschaft war er bis zum 13. November 1941, dem Tag seiner Verhaftung, aktiv in der Organisation "Front national de lutte pour la libération et l'indépendance de la France" engagiert. Am 11. Dezember 1941 wurde er von einem Militärgericht zu zwei Jahren Gefängnis verurteilt, weil er "mehrere Zeichnungen für kommunistische Propaganda angefertigt hatte".
Nach seinem Urteil wurde Taslitzky auf das zentrale Haus von Riom im Puy-de-Dôme verwiesen. Am 23. Juli 1943 wurde er ins Gefängnis von Mauzac in der Dordogne verlegt. Am Ende seiner Strafe wird er in das Pflegeheim von Saint-Sulpice-Ia-Pointe im Département Tarn gebracht. Dort malt er große, revolutionär inspirierte Fresken an den Brettwänden von fünf der Lagerbaracken. Der Erzbischof von Toulouse stellte das Gemälde zur Verfügung und stimmte auf Wunsch einiger seiner Kameraden sogar zu, die Kapelle zu schmücken.
Am 30. Juli 1944, mit 622 weiteren Internierten an
Das politische Engagement
Im Jahr 1971 wurde er zum Professor an der École nationale supérieure des arts décoratifs in Paris ernannt. Am 7. März 1997 erhielt Boris Taslitzky die Ritterinsignien der Ehrenlegion für den Widerstand und die Deportation.
Die Analyse einiger Bestandteile einer Tabelle ermöglicht es uns, die verschiedenen Elemente zu unterscheiden und ihre mögliche Bedeutung zu beobachten.
Wir haben ein Gemälde von Boris Taslitzky mit dem Titel: Das kleine
Dieses Öl auf Leinwand von 1945 wurde vom Maler nach seiner Freilassung aus Erinnerung gemalt, indem er sich auf heimliche Zeichnungen stützte, die im Inneren des Lagers angefertigt worden waren. Wir haben dieses Gemälde ausgewählt, das unsere Aufmerksamkeit auf sich zog; in seinen leuchtenden Farben hebt es sich von anderen Werken ab. Tatsächlich wurden die Zeichnungen oder Gemälde über die Lager und die Deportation oft in graue und traurige Farben übersetzt. Die Künstler, ob sie deportiert wurden oder nicht, stellen immer eine Ursache-Wirkungs-Beziehung zwischen der Deportation und der Grauheit her.
Die plastischen Elemente oder Achsen sind die Formen, die Zusammensetzung und die Farben.
1) Formen und Zusammensetzung:
Durch die Vereinfachung des Bildes mit geometrischen Formen oder grundlegenden Linien; dies ermöglicht es, seinen Ausdruck und den, der vom Autor beabsichtigt ist, hervorzuheben, ohne es jedoch nur auf ein einfaches Schema oder eine Skizze zu reduzieren.
Man merkt also zunächst, dass die Tabelle durch eine horizontale Linie in zwei Teile geteilt ist. Sie trennt etwa zu zwei Dritteln eine "Masse" von ausgeflippten Figuren, die ausgehen oder in Schlangen in die Baracken strömen, wobei sich die Toten mit den Lebenden verwechseln. Dies ist eine Darstellung von echtem Chaos.
Im Vordergrund beobachtet ein Kind in der rechten Ecke des Bildes eine Leiche, die vor ihm liegt.
Links springen zwei Hunde mitten unter den Leichen. Männer des SonderKommandos sind mit ihrer schrecklichen Aufgabe beschäftigt und häufen die Leichen an. Sie konzentrieren die gesamte Aktivität des Gemäldes, im Gegensatz zu den anderen Deportierten, die auf den Tod warten; es sind die einzigen aktiven Figuren.
Im Hintergrund überwacht ein deutscher Rangler, gekennzeichnet durch seine Uniform, die Szene. Passiv raucht er und hält eine Waffe in seiner rechten Hand. Er repräsentiert die Bedrohung und die Macht. Seine linke Hand liegt auf der Hüfte, was ihm ein starkes und beeindruckendes Aussehen verleiht. Dennoch bleibt er von der Szene überwältigt; er wird weder durch seine Größe, die mit der der anderen Figuren identisch ist, noch durch seinen Platz im Gemälde hervorgehoben.
Zweitens blockieren die Lagerbaracken im oberen Teil des Bildes den Blick des Betrachters und isolieren so die Bühne von der Außenwelt. Sie bilden eine Mauer, eine unüberwindbare und imposante Barriere; sie scheinen unbegrenzt zu sein, soweit das Auge reicht.
Weitere große Diagonalen bilden das Bild. Diese Leckagelinien, die entweder durch die Abfolge der Deportierten oder durch das Dach der Baracken gebildet werden, verbinden sich in einem vagen, unmerklichen Horizont. Ein stehender Mann, die Hände in den Taschen, der leere und ferne Blick bildet das zentrale Element des Werks.
Mehr als die anderen scheint es unmöglich zu sein, seinen Zustand zu bestimmen. Ist er tot? Sein unoffenes Hemd lässt einen skelettalen Hals erkennen. Er scheint trotzdem noch voller Würde zu sein. Oder ist er nur resigniert? Vor ihm steht ein Wagen, der zum Tragen der Leichen benutzt wird. Diese beiden Elemente scheinen die Deportierten in Giebeln und die Häufung der Leichen zu trennen. Auch er tut nichts, er ist die Verbindung zwischen dem Leiden des Lebens und der so erwarteten Ruhe der Toten, er kämpft nicht mehr.
Im Vordergrund in der Mitte des Bildes ist der Boden leer; wie ein Ruf, eine "Einladung", das Bild anzuschauen. Wie bei den gefilmten Bildern kommt die Handlung immer aus dem Nichts.
Es gibt also keine vertikale Achse im Bild, keine Hebung zum Himmel. Die vertikalen Linien, aus denen das Werk besteht, sind die gestreiften Pyjamas der Deportierten sowie die Holzbretter der Baracken. Es wird eine Analogie zwischen diesen Streifen und den Rippen der Figuren festgestellt. Außerdem ist der Streifen niemals neutral. Sie ist in der Regel das Symbol der Verneinung, die Handlung, jemanden oder etwas auszulöschen oder zu blockieren, ermöglicht entweder seine Aufwertung oder seine Beseitigung.
Außerdem präsentiert sich der Rahmen des Bildes wie ein Fresko, er ist länger als breit. Die Handlung ist in der Zeit festgelegt.
2) Farben:
Die Farben sind eine Variation einfacher Töne wie Rot, Grün und Gelb; verbunden mit Blut, Hoffnung und Licht. Diese lebhaften und fieberhaften Töne verstärken die Gewalt des Bildes. Der Kontrast zwischen ihr und dem weißlichen Farbton der Skelettkörper ist ergreifend. Der Himmel ist auch nicht harmlos, er ist rot und gelb gestrichen und trägt die Farben der Hölle, des Feuers. Weiß steht für das Ende eines Kampfes, für Freiheit und Unschuld.
Dies ist vielleicht für den Maler eine Art, die Toten, die die nationalsozialistische Barbarei nicht überleben konnten, zu würdigen und ihnen zu gedenken. Wollte Boris Taslitsky dem Zuschauer ein Gefühl der Dankbarkeit einflößen? Indem er sein Gemälde so sehr kolorierte, machte er aus seinem Werk eine Revolte, einen echten Angriff auf das konventionelle Grau oder Schwarz der Sterbewelt.
Er stellt das Unvorstellbare, das Unermessliche dar und revolutioniert damit die Darstellung der Shoah.
b) Biographie von Serge Smulevic:
Serge Smulevic wurde am 6. April 1920 in Warschau in einer eher bescheidenen Familie mit einem Großvater geboren, der ein ehemaliger Hebräischlehrer war, und einem anderen Rabbiner. Nach ihrer Ankunft in Frankreich im Jahr 1923 gründeten ihre Eltern ein Chemiegeschäft. Nach dieser ersten Reise machten sie die Reise weiter nach Petite-Roselle, dann nach Thionville und schließlich nach Nizza, wo beide starben. Serge Smulevic studierte von 1935 bis 1939 an der Straßburger Kunsthochschule, wo er sein Diplom erwarb.
Er trat 1942 in die Résistance bei den FTP in Grenoble ein. Dort wurde er verhaftet, weil er den Kindern gefälschte Papiere gegeben hatte, die er selbst angefertigt hatte. Kurze Zeit später wurde er ins Lager von Drancy deportiert[1], wo er den Schrecken
Hier ist sein Zeugnis über sein Leben im Lager:
" Da kam mir die Idee, mich an einen dieser "Privilegierten zu wenden. ", um ihn zu fragen, ob er möchte, dass ich ihm sein Porträt mache, damit er es an seine Familie schicken kann (da sie das Recht hatten zu korrespondieren, genauso wie sie das Recht hatten, Pakete zu erhalten). [...] Ich glaube, ich habe ein Porträt noch nie so gut gemalt wie dieses-dort [...] und da ich das nur am Abend nach der Suppenverteilung tun konnte, dauerte es eine Weile. Und das bedeutete ein Viertel Brot. Was für ein Glück! Dann war ein anderer dieser Herren an der Reihe, und nach und nach sammelte ich Essen [...] So sehr, dass mir der Chef des Blocks, den ich ebenfalls porträtiert hatte, erlaubte, einen kleinen Schrank zu haben [...] Privilegierte und Führer benachbarter Blöcke kamen sehr regelmäßig zu mir und baten mich, ihr Porträt zu machen, und bezahlten mich mit Essen. Die einen etwas mehr, die anderen etwas weniger.
Und dort begann man, mich "der Mahler" zu nennen, das heißt den Maler oder den Zeichner. Es gibt einige, die mich sogar baten, ihnen ihr Haus zu zeichnen und es sorgfältig zu beschreiben. [...]
Ich muss mindestens gut hundert Zeichnungen gemacht haben, oder mehr, was ziemlich viel Arbeit und nicht wenige zusätzliche Lebensmittel bedeutet. [...]
Wichtig
Ich konnte so hunderte von Porträts und anderen Zeichnungen machen, um zu vermeiden, zu stehlen und zu schmuggeln, denn ich habe im Lager meine Fähigkeiten als guter Zeichner auf diese Weise genutzt, und das hat mir mit Sicherheit das Leben gerettet. [...] Nicht jeder hatte das Privileg, so im Lager zu leben, und ich bin mir dessen sehr bewusst. Die Tatsache, dass ich den ganzen Tag sehr hart gearbeitet habe, als wäre ich gezwungen gewesen, aber zu wissen, dass ich nach dem Abendessen nach Hause gekommen war, nach dem Anruf und der Suppe zeichnen und mit Essen bezahlt werden konnte, war für mich so ermutigend, moralisch (und natürlich körperlich). dass mein Leben im Lager und in der Fabrik tief davon betroffen war. "
Mit dem Vorrücken der Russen wurden die Deportierten
Die Zeichnungen von Serge Smulevic waren wichtig für das Zeugnis, zu dem sie beitragen. Aber er machte auch Zeichnungen, um beim IG-Farben-Prozess in Nürnberg auszusagen. Weitere fertigte er für den Papon-Prozess an.
Zeichnungen von Sala, der Tochter von Serge Smulevic, im Jahr 2004
Der Todesmarsch
Der Überlebende
Zeichnungen von Serge Smulevic für den IG-Farben-Prozess in Nürnberg nach dem Antrag von Herrn Hoffstein, der bei dem Prozess anwesend war. |
|
|
|
Zeichnung von Serge Smulevic während des Papon-Prozesses
.
Zber, eigentlich Fiszel Zylberberg, wurde 1909 in Polen geboren. Nach dem Studium der bildenden Künste in Warschau emigrierte er 1936 nach Paris, wo er am 14. Mai 1941 bei einer Razzia verhaftet wurde. Interniert im Lager von Beaune-la-Rolande, später in dem von Pithiviers, wurde er schließlich am 17. Juli 1942 nach Auschwitz deportiert.
Während seiner Inhaftierung in Beaune-la-Rolande fertigte er Porträts seiner Mitgefangenen an. Dadurch konnte Zber bis zu seiner Vergasung am 26. Oktober 1942 überleben.
Diese Zeichnungen befinden sich nun, aufgrund einer Schenkung, im Pariser Museum für Kunst und Geschichte des Judentums.
|
|
Die Bedingungen in den Lagern waren nicht einfach. Erniedrigung, Krankheit, Tod, Schrecken - das ist alles, was diese Männer und Frauen erlebt haben, und es ist für sie unvergesslich. Aber die Erinnerung der anderen war nicht so stark... und deshalb fühlten sie das Bedürfnis, Zeugnis abzulegen, damit niemand vergisst, was passiert ist.
II- DIE KUNST FÜR DEN ENTWURF:
Trotz Unterdrückung und Folter hörte die grafische Kunst während der Konzentrationslager nicht auf zu existieren. Obwohl sie im Untergrund entstanden, wurden in den Lagern zahlreiche Werke (Skizzen, Porträts, Gemälde, Drucke) produziert. Die meisten wurden bei der Befreiung in den Verstecken selbst innerhalb der Lager oder auf Häftlingen gefunden, die sie oft unter Einsatz ihres Lebens bewahrten.
Zoran Music, Max Ernst, Serge Smulevic, Boris Taslitzky ... um nur einige von ihnen zu nennen: Sie verspürten, manche sehr schnell, andere später, die Notwendigkeit, Zeugnis abzulegen und so zu beweisen, dass man, wenn man die Lager nicht ganz überwindet, dennoch versuchen kann, sie zu vertreten.
a) Jenseits des Leidens: zwei Horrorvisionen:
Der Realist interessiert sich für die Natur und für die Menschen, so wie sie real und nicht idealisiert sind.
Trotz all des Schreckens, den er erlebt hat, gelingt es Léo Haas, das, was er in seinen Zeichnungen sieht, realistisch zu vermitteln. Und doch ist er ein Beispiel für die Verfolgung von Künstlern in den Konzentrationslagern. Zeitungszeichner, der während des gesamten Krieges in den Lagern interniert war, überlebte Theresienstadt, Auschwitz, Sachsenhausen und Mathausen. Er gehört zu den Untergrundkünstlern, die es trotz Unterdrückung und sogar Folter geschafft haben, ihre Zeichnungen in Verstecken zu bewahren. Léo Haas überlebte die Lager und konnte nach der Befreiung seine Zeichnungen in dem Versteck wiederfinden, dessen Standort er sorgfältig ausgesucht hatte.
Seine Zeichnungen sind einfach, ohne Farben und grober Grafik. Wenn er jedoch sagt: "Meine Mittel
Zeichnungen von Léo Haas
Der Surrealismus, geboren nach dem Ersten Weltkrieg, stellt sich gegen jede logische, moralische und soziale Form und stellt ihnen die Werte des Traums, des Instinkts, des Verlangens und der Revolte in den Ausdruck der "Funktionsweise des Denkens" gegenüber.
Unter den Künstlern, die aus den Lagern überlebten, sind diejenigen, die sich für den Surrealismus entschieden haben, am zahlreichsten, vielleicht weil es unmöglich ist, sich die Lager vorzustellen, in denen sie ganz einfach so gezeichnet haben, seit ihrer Anfänge.
Max Ernst ist einer der großen Maler des 20. Jahrhunderts, geboren 1891 in Bruhl (Rheinland). Er zog ab 1922 nach Paris und wurde eines der Mitglieder der surrealistischen Gruppe: Dort zeichnete er sich durch seine Collagen und Dekadenten aus, bei denen der Traum weit stärker ist als die Realität.
Max Ernst zeichnet im Lager der Tausend neugierige Kreaturen aus Limen. Er nennt eines davon Les Apatrides
|
|
Staatenlose |
Frauenkopf auf einem Turm |
Die Augen der Stille
Max Ernst arbeitet mit Hans Bellmer zusammen. Einige Zeichnungen werden sogar zu zweit angefertigt.
Hans Bellmer wurde 1902 in Katowice in Schlesien geboren. 1938 verließ er endgültig Deutschland, um als Zeichner und Grafiker in Paris zu leben. Im Süden Frankreichs wurde er im Sommer 1939 im Lager Les Milles interniert. Die Werke von Hans Bellmer haben oft
Alfted Otto Wolfgang Schuize, genannt Wols, wurde 1913 in Berlin geboren. Schon früh interessierte er sich für Fotografie und absolvierte eine künstlerische Ausbildung. Im Jahr 1932 lernte er während eines ersten Aufenthalts in Paris Max Ernst, Miro und andere kennen. Er war mit surrealistischen Kreisen verbunden. Während er anfing, Aquarelle zu malen, wurde er Maler. Im September 1939 wurde er als deutscher Staatsbürger ins Lager Milles interniert. Die zahlreichen Zeichnungen von Wols wimmeln von bizarren Figuren in einer sich verrenkenden Umgebung. Daraus ergibt sich eine wachsende Besorgnis, wie die eines bösen Albtraums. Eine seiner Zeichnungen La Puce erinnert an eine Plage der Lager: die Parasiten. Der Künstler erlebt seine Gefangenschaft sehr schwer.
|
|
Das bewachte Lager |
Der Chip |
Wols
Surrealismus ist die Ausdrucksform eines ganzen schwierigen Lebens durch Papier und Bleistift oder Pinsel. Diese unglaubwürdigen Bilder spiegeln diese traumatischen und unvergesslichen Erfahrungen wider.
Einige Künstler konnten, mit ihrer Holzkohle bewaffnet, auf frischer Ebene Horrorszenen aufnehmen und Beschädigungen an den Häftlingen feststellen. Jeder konnte dann auf seine Weise, je nach seiner Sichtweise, zum gemeinsamen Zeugnis und zu allen Häftlingen und Opfern der Nazis beitragen.
Die Werke dieser Überlebenden, mit verschiedenen künstlerischen Ansätzen, wurden nach und nach dem Publikum durch eine Ausstellung angeboten. Diese öffentliche Präsentation, die von den nationalsozialistischen Gräueltaten zeugt und sie anprangert, wird zu einer echten Verbindung zwischen dem Künstler und der Welt um ihn herum und leitet damit die gesamte Arbeit der Weitergabe des Gedächtnisses ein.
b)
Zoran MUSiC: Ausstellung "Wir sind nicht die letzten" (1970-1975)
"
"
Zoran Music, ein international bekannter Maler, wurde 1909 in Dalmatien (damals Österreich-Ungarn, heute Kroatien) geboren. Er studierte an der Kunsthochschule in Zagreb und reiste dann nach Italien, Spanien und Paris. Angeklagt, Widerstandskämpfer zu sein, wurde er 1944 in Venedig von der Gestapo verhaftet. Deportiert nach Dachau, schuf er unter Lebensgefahr etwa hundert Zeichnungen, die das schilderten, was er sah: die Hinrichtungsszenen, die Krematorien, die zu Dutzenden gestapelten Leichen, also das Unbeschreibliche. Nach seiner Rückkehr von Venedig und der Schweiz zog er 1952 nach Paris. Er versucht, das Grauen aus seiner Erinnerung zu tilgen: Traum, Poesie, Lebensfreude, die sein Werk prägen. Aber die Vorstellung von Leichen drängt sich ihm als ein Thema auf, zu dem er zurückkehren muss, und er beginnt wieder zu zeichnen. Erinnerungen an die Deportation kehren zurück; er setzt sein Werk dann fort.
Schriften und Äußerungen von Zoran Music,
"
Ich beginne schüchtern zu zeichnen. Der Weg, vielleicht, um mich davon zu befreien. In dieser Gefahr könnte ich einen Grund haben, Widerstand zu leisten. Ich probiere zunächst heimlich, in der Schublade meines Zuges, die Dinge aus, die ich auf dem Weg zur Fabrik gesehen habe: das Eintreffen eines Konvois, der aufgerissene Viehwagen und die überfließenden Leichen. Die Reise dauerte einen Monat, vielleicht länger, ohne Nahrung, ohne Getränke, alles dicht verschlossen. Einige Überlebende, die verrückt geworden sind, schreien, ihre Augen verstummen.
Später zeichne ich im Lager selbst. Die Tage vergehen... Und da bin ich, in den letzten Wochen des Lagers, ist die Gefahr, entdeckt zu werden, etwas zurückgegangen. Ich schaffe es, in der Fabrik Papier und Tinte zu finden.
Ich zeichne wie in einer Trance und klammere mich krankhaft an meine Papierstücke. Ich war wie geblendet von der unglaublichen Größe dieser Felder voller Leichen.
Und die Angst, diese geschwächten Formen nicht zu verraten, sie so wertvoll wiederherzustellen, wie ich sie sah, auf das Wesentliche reduziert. Wie zerquetscht von mir, was für ein Fieber, im unwiderstehlichen Bedürfnis zu zeichnen, damit diese grandiose und tragische Schönheit mir nicht entgeht. Jeden Tag war ich nur für den Tag am Leben, morgen wird es zu spät sein. Das Leben, der Tod, für mich hing alles an diesen Blättern von Papier.
Aber werden wir diese Zeichnungen jemals sehen? Kann ich sie zeigen? Werde ich hier lebend rauskommen? Wir wussten, dass beschlossen worden war, dieses Lager auszulöschen, und uns darin.
Ich habe gelernt, die Dinge auf eine andere Weise zu sehen. Selbst in meinem späteren Gemälde hat sich nicht alles radikal verändert. Es ist keineswegs eine Reaktion gegen das Grauen, dass ich die Seligkeit der Kindheit wiederentdeckt habe. Kleine Pferde, dalmatinische Landschaften, dalmatinische Frauen - sie waren schon lange dort. Erst danach durfte ich sie anders sehen. Nach dem Anblick dieser Leichen, die aller äußeren Spuren und allem Überflüssigen beraubt sind, befreit von der Maske der Heuchelei und den Unterscheidungen, mit denen sich die Menschen und die Gesellschaft schmücken, glaube ich, die schreckliche und tragische Wahrheit entdeckt zu haben, die mir aufgetragen wurde, sie zu erreichen. [...]
Als ich 1945 nach Venedig zurückkehrte, begann ich, Landschaften und Pferde zu malen. Ich kam aus einem schwarzen Loch, ich brauchte Licht und Raum. Dann begann eine lange innere Arbeit in Paris. Als ich in den 50er Jahren ankam, fand ich mich unter all diesen abstrakten großen Meistern wieder: Wols zum Beispiel. ... Die Abstraktion war eine endgültige Sache, die einzige Gerechte und Wahre. Aber ich wusste nicht, wie ich mich ihr nähern sollte. Nach und nach wurde sie zu einem Beruf.
Zwischen 1962 und 1970 habe ich nur noch gezeichnet, ohne zu malen... ich wusste, dass es herauskommen musste, ich wusste nicht wie."
Von 1970 bis 1975 kehrte Zoran Music nach Dachau zurück, wo er von 1943 bis 1945 eingesperrt war. Er malt und graviert daraufhin eine Reihe von sechzehn Werken, die unter dem Namen "Nous ne sommes pas les derniers" zusammengefasst sind. Im Laufe der 1990er Jahre stellte er dann in ganz Europa aus. Die Ausstellung besteht aus seltenen, vor der Zerstörung geretteten Zeichnungen, die einige Monate vor seiner Freilassung angefertigt wurden. Sie lädt zu einer Durchquerung aller Epochen und aller Themen des Künstlers ein: ein eindringlicher Zyklus vom Anfang bis zum Alter, von der offenen Unschuld bis zur Erfahrung des Schreckens.
Er war der erste Maler, der 1972 zu seinen Lebzeiten im Musée d'Art moderne de la ville de Paris ausgestellt wurde. Seitdem wurde er im Centre Pompidou, im Grand Palais und in Venedig gefeiert. Das Jenisch-Museum in Vevey stellte vom 15. Juni bis 21. September 2003 eine Retrospektive des Malers vor.
Die Werke von Zoran Music wurden der Öffentlichkeit präsentiert. Seltsame und schmerzhafte Ausstellung, sie profitiert von der Zimaise (um auszustellen, eine Wand, die für Gemälde in einer Galerie oder einem Museum geeignet ist) mit einem sanften Grau und gleichem Licht. In einem runden Raum sind alle Zeichnungen von Dachau versammelt, die heimlich auf minderwertigem Papier mit Tinte und gestohlenen Bleistiften ausgeführt wurden. Von den etwa hundert, die Music im Winter 1944 1945 anhäufte, sind nur dreißig erhalten. Die anderen wurden bei der Befreiung des Lagers verbrannt oder verschwanden.
Bei den meisten dieser Skizzen: Leichen, die zu Skeletten geworden sind, liegen auf dem Boden oder in rudimentären Särgen. Um Platz zu sparen und weil diese Mumien kein Gewicht mehr haben, werden zwei Leichen mit dem Kopf in den Schrank gelegt. Die Köpfe sind Schädel, in denen noch Augen übrig sind, und diese toten Augen werden riesig, weil es kein Fleisch und keine Haare mehr gibt. Der Blick sieht nur noch dies, Schlangen von umgekippten Leichen, die den Raum füllen, dem Anblick keine Ruhe lassen, die den Horizont verdecken.
Die zweite Hälfte der Retrospektive versammelt Gemälde, durch das Gedächtnis veränderte und gereinigte Visionen, spektrale Visionen:
|
|
Die ausgezahnten Münder der Toten schreien in der aufsteigenden Nacht. Die Leichen sind in der Dunkelheit verschwunden, nur mit steifen Gesichtern und hohlen Augen. Es bleibt nur noch eine Obsession, die danach schwer loszuwerden ist.
Die Zeichnung ist sehr einfach: feine Linien zeichnen die Umrisse dieser Formen, die die Dicke anwinkelt und mit Spitzen gefärbt hat. Einige Schwärze und Verblendungen deuten an, dass es an manchen Stellen Schatten gibt. Die Hand zittert nicht, sie notiert, was vor dem Zeichner war, nur wenige Schritte von ihm entfernt.
Mit Holzstöcken und erdigen, erloschenen Farben hat Music das Unmögliche versucht und dem absoluten Schrecken entgegengetreten. Diese Werke sind ein außergewöhnliches Zeugnis der Deportation und bringen den erlittenen Schmerz und das Leiden perfekt zum Ausdruck. Seine Malerei berührt das tiefste des Seins.
Die deportierten Künstler vermitteln die Geschichte der Deportation. Sie geben Zeugnis und bringen der Welt durch die Ausstellung ihrer Werke das unvorstellbare Bild der Lager zurück, indem sie ein unerträgliches Alltagsleben unter der Geißel des Nationalsozialismus anprangern. Sie tragen dazu bei, ihr Erleben in das universelle Gedächtnis zu verankern und fördern so die Reflexion durch die Kunst.
Aber was passiert, wenn die letzten Zeugen verschwunden sind? Die Nachkommen fühlen sich bereits in der Fortführung des Zeugnisses engagiert und verbinden das einfache Festhalten der Tatsachen mit einer philosophischen und moralischen Meditation. So laden sie die Generationen ein, die zu dieser Zeit nicht gelebt haben, sich ihrer Rolle als neue Zeugen bewusst zu werden, was ihrerseits vielleicht den Wunsch nach Weitergabe vermittelt.
Von der Leinwand über die Gravur, das Plakat, den Comic, die Fotografie, die Fotomontage oder die Videobearbeitung... bis hin zur Performance oder dem Werk in situ; die Themen, die Formen und die Mittel sind fast unerschöpflich.
a) Der Comic im Dienste des Gedächtnisses
Comics, diese vermeintlich unbedeutende Kunst, greifen gerne auf große Ereignisse zu. Auch wenn der Holocaust dennoch eine Ausnahme bleibt.
Pascal Croci wurde 1961 geboren und lebt heute in Aveyron. Zehn Jahre lang widmete er sich historischen und religiösen Comics für verschiedene Magazine. Nachdem er mehrere Dokumentarfilme oder Filme über die Deportation gesehen oder überarbeitet hatte, veröffentlichte er im Jahr 2000 einen realistischen Comic, der Auschwitz weniger symbolisch darstellt und ihn Auschwitz nennt.
Dieses Album erforderte fünf Jahre Arbeit wegen der Dokumentation, aber vor allem wegen der Suche nach einem Verleger, da nur wenige von ihnen das Abenteuer wagen wollten. Eine Debatte begann: Kann man Lager zur grafischen Kulisse einer Fiktion machen?
In der Tat strotzt dieses fiktive Dokument vor Realismus: eine verlassene Puppe, deportiert, die ihr Überleben den Zeichnungen verdankt, die er auf den Briefen der NS-Offiziere skizziert, endlose Aufrufe des Lagers, schreckliche Arbeit des SonderKommandos... Diese Erzählung zeigt Kazile und Cessia, ein Paar, das das Lager Auschwitz-Birkenau überlebt hat und sich fast fünfzig Jahre später daran erinnert, was sie jeweils selbst erlebt haben. Durch ihre Augen wird das ganze Grauen der Deportation suggeriert: das Warten auf den Tod am Eingang der Gaskammern, die Experimente von Mengele...
Aus Anstand und um in einer ernsten, der Atmosphäre von Auschwitz ähnelnden Atmosphäre zu bleiben, hat er diese Geschichte in Schwarz-Weiß gezeichnet. Seine Zeichnung, gefärbt und dann leicht eingeschrieben, bleibt trotzdem sehr schön. Er bietet die Sicht von zerbrochenen, ausgelaufenen Körpern und Gesichtern mit riesigen Augen an.
"
"
Ich hatte auch die Angst, dieselben Bilder noch einmal zu machen. Es gibt überall Nebel, eine schwere Atmosphäre, ich wollte nicht den Horizont zeigen, damit der Leser in einen zeitlosen Ort eindringt. Diese Darstellung ist den Erinnerungen der Zeugen nahe. Für sie ist Auschwitz ein kalter, nebliger Ort,
Pascal Croci drängt uns dazu, darüber nachzudenken, ob sich das wiederholen könnte, insbesondere indem wir die beiden Personen 1993 im ehemaligen Jugoslawien wieder auftauchen lassen, wo sie wegen des politischen Verrats inhaftiert sind. So belebt das Album nicht nur die Erinnerung, sondern bindet sie auch an die aktuellsten Nachrichten.
Obwohl
In erster Linie war dieses Album vor allem eine Pflicht des Gedenkens.
Pascal Croci verdoppelt jedoch nicht die Erzählung persönlicher Fragen, noch inszeniert er seine eigene Geschichte, im Gegensatz zu Art Spiegelman, dem Autor von Maus.
Tatsächlich spiegelt das Werk vor allem die Persönlichkeit des Künstlers wider, wie er von den Ereignissen beeinflusst wird. Der Aufbau eines Werkes wird immer von Emotionen, von Ideen geleitet.
Maus
Es besteht aus zwei Bänden:
1) Mein Vater blutet die Geschichte
2) Und dort haben meine Probleme angefangen.
|
|
Die Anweisung "zakhor!", "erinnere dich" auf Hebräisch, hat die Ausarbeitung dieses Meisterwerks geleitet. Wie ein Architekt geht der Zeichner auf die Suche nach seinen Ursprüngen. Sie entblößt ihren Autor und enthüllt Ausschnitte aus ihrer eigenen Vergangenheit, während er uns gleichzeitig die Geschichte seiner Eltern erzählt, der Überlebenden der Todeslager. Er beginnt seine Geschichte mit einer bedeutungsvollen Anekdote. Art ist zehn Jahre alt, und nach einem Sturz auf Schlittschuhen verlassen ihn seine Freunde. Als er weinend nach Hause kommt, antwortet ihm sein Vater: "Deine Freunde?" Sperrt euch eine ganze Woche in einen einzigen Raum ein, ohne etwas zu essen, dann wirst du sehen, was das sind, Freunde!"
Der Autor teilt dem Leser auch die Schwierigkeiten mit, die das Projekt aufwirft.
Seit 1979 ist die Kulisse aufgestellt: Die Juden sind Mäuse, die Nazis sind wilde, wilde Katzen mit Glühkäfern, die Franzosen sind Frösche, die Amerikaner Hunde und die Polen Schweine. Jede Bevölkerungsgruppe ist auf den ersten Blick erkennbar, ein bisschen so wie damals mit den gelben Sternen oder den Dreieckskodierungen in den Lagern. Wenn es eine Identitätsfälschung gibt, erscheint eine Maske auf den Gesichtern der Figuren.
Art Spiegelman besucht seinen Vater im Haus der Familie in New York und bittet ihn, ihm seine Geschichte zu erzählen. Der herzkranke Mann führt sich aus und erzählt sein Leben in seinem Geburtsland Polen, die Begegnung mit Anja, der Mutter von Art, den Aufstieg des Nationalsozialismus, sein Engagement in der polnischen Armee, den Krieg und schließlich das Grauen der Lager. All dies stellt stundenlange Gespräche, Erzählungen und Porträts dar. Es ist ganz Polen der dunklen Jahre, die man mit diesen kleinen Mäusen durchquert, die ums Überleben kämpfen.
Spiegelmans Merkmal ist einfach, eher dick. Die sehr nüchterne Schwarz-Weiß-Darstellung kann abstoßend wirken. Das Werk weist jedoch eine besondere Ästhetik auf: keine Fülle an Details, keine Sorge um historische Wahrhaftigkeit.
Dennoch sind vielleicht mehr als der Holocaust die Vater-Sohn-Beziehungen zentral in Maus. Der Vater, Vladeck
Ein tiefes Missverständnis besteht mit seinem Sohn und darüber hinaus mit der gesamten Menschheit. Man kann sich fragen, ob Vladeck S. als Extremist des Überlebens das Leben überhaupt vergessen hat... Vielleicht hat Art diese Arbeit tatsächlich begonnen, um sich mit dem komplexen Wesen seines Vaters vertraut zu machen, in der Hoffnung, ihn zu verstehen. Er beschreibt auch sehr gut dieses Schuldgefühl; das Gefühl, dort überlebt zu haben, wo andere gestorben sind. Es ist diese erdrückende Last, die ihr Vater ihm durch seine unaufhörlichen Schuldzuweisungen zu übertragen scheint.
Ihre Mutter ist die große Abwesende, deren Schatten über der ganzen Geschichte schwebt, und für den Vater ein so tabu Thema, dass er dessen Schriften nach seinem Tod verbrennen wird. Ihr Schicksal erinnert an das eines Primo Levi: 1968 schneidet sie sich die Adern zu.
Maus
Sicher ist, dass diese kleinen Mäuse, die den Mut und die Würde der Riesen bewiesen haben; indem sie die Schrecken der Menschheit anprangerten, ein lebhaftes Plädoyer für die Menschlichkeit inspirieren.
"
Die Literarische Dekade
Aus der unnatürlichen Begegnung zwischen dem Comic und der Shoah entsteht ein Schock. Sie werden nicht unverletzt aus der Lektüre dieser Werke hervorgehen. Diese Ereignisalben sind ein Teil des großen Buches der Geschichte. Erschreckend und immer voller Emotionen, tragen sie einen unaussprechlichen Schrei nach der Freiheit und dem Respekt vor dem Menschen. Sie zollen dem Millionsten, der in Auschwitz gestorben sind, eine schlichte, aber wunderschöne Ehrung.
Heute stehen den jungen Generationen daher zahlreiche Kunstwerke zur Verfügung, die von der Shoah zeugen. Einige von ihnen präsentieren sich in Form von Denkmälern oder Experimenten, die von Künstlern gemacht wurden, die die Lager nicht unbedingt kannten, aber dennoch der Pflicht zur Erinnerung verpflichtet bleiben. Seit einem halben Jahrhundert häufen sich diese "in-situ"-Werke in Europa.
Definition: "in-
Künstler oder Architekten, seien es Juden, Deutsche, Deutsch-Juden oder andere Nationalitäten, haben sich der Aufgabe gestellt, mit dem Unvertretbaren zu arbeiten. Eine ganze Darstellung fand um die Darstellung statt, nicht des Ereignisses selbst, sondern der Beziehung der Erinnerung zu diesem Ereignis.
Man wird die Arbeiten von Jochen Gerz, Christian Boltanski und Shimon Attie erwähnen.
Jochen Gerz wurde 1940 in Berlin geboren. Seit 1966 lebt und arbeitet er in Paris. Ab 1969 fotografiert er. Dann, im Jahr 1972, machte er Videos von Installationen und Performances im öffentlichen Raum. Er erscheint als einer der wichtigsten Protagonisten der Kunst, rund um das Bild und das Wort, die Information und ihre mediatisierte Realität.
Es wurden mehrere Projekte durchgeführt:
* 1977:
Jochen Gerz fuhr von Moskau nach Chabarowsk und Moskau, sitzend in einem Abteil der berühmten Transsibirischen Eisenbahn. Während der gesamten Reise waren die Fenster nicht nur geschlossen, sondern mit Papier oder Stoff bedeckt, so dass man von außen nichts sehen konnte. Er durchquerte Sibirien hin und zurück, also über 16.000 Kilometer. Während der sechzehn Tage, die die Reise dauerte, hatte er sechzehn Schieferplatten, darauf legte er seine Füße, eine Platte pro Tag, um keine Spuren seines Durchgangs im Abteil zu hinterlassen. Alle Gegenstände, die seine Anwesenheit im Zug hätten belegen können, Fahrkarten usw., wurden bei der Ankunft verbrannt. So dass bei seiner Rückkehr nicht mehr klar war, ob die Reise wirklich stattgefunden hatte oder nicht.
*
Zusammen mit seiner Frau Esther Shalev-Gerz errichtet er eine mit einer 12 Meter hohen Bleischicht bedeckte Säule, auf der die Passanten ihre Handschrift eingravieren können. Dieser, der sich ganz langsam in die Erde versank, verschwand am 10. November 1993 völlig. An dem Ort, den er einnahm: ein leerer Platz.
Der interaktive Aspekt dauerte also sieben Jahre. Es wurden heftig feindselige Inschriften, Pistolenschüsse auf die Struktur sowie Unterschriften gefunden, die die Operation unterstützten.
* 1990:
|
|
Es handelte sich darum, nach und nach und heimlich 2146 der 8000 auf dem Saarbrücker Parlamentsplatz gepflasterten Steine zu entpflastern, dort an ihren Basen die Namen der 2146 jüdischen Friedhöfe Deutschlands zu gravieren und diese dann zu verstauen. Zu Beginn des Werks waren "heimlich" und wurden nachts aufgeführt. Nachdem jedoch 70 so gravierte Pflastersteine in eine Art Untergrund versetzt worden waren, beschlossen Jochen Gerz und sein Team, das hauptsächlich aus Kunststudenten bestand, sich an die offiziellen Behörden zu wenden. Das Saarlandparlament unterstützte das Unternehmen und benannte 1993 den Platz in "Platz des unsichtbaren Denkmals" um.
Dieses unsichtbare Denkmal gegen den Rassismus wird daher täglich von den Stammgästen des Saarbrücker Mittelplatzes befahren.
Diese Werke spielen die Materialität und die Immaterialität des Gedächtnisses, des Vergessens und der Erinnerung. Jedes Mal kehren die gleichen Probleme zurück: das Verschwinden der Spuren, die Fragilität des Zeugnisses, die schwache Präsenz der Abwesenheit. Das Denkmal verblasst, es gibt keine Spuren mehr. Die Bewohner müssen, sei es für ihre fremden Freunde in der Stadt oder ihre Kinder, das Denkmal erzählen, es beschreiben, die Geschichte seines Absturzes erzählen, zum Beispiel für den Mahnmal gegen den Faschismus usw.
Der Künstler erklärt mehrfach den Sinn seines Unternehmens: " es ist, als ob
Boltanski wurde 1944 in Paris geboren und ist ein französischer Künstler, der sich weitgehend selbst ausgebildet hat. Seit Jahren befragt sein Werk ständig verschiedene und entscheidende Themen wie den Tod, die Identität, das Heilige, das Gedächtnis, die Banalität, die Familie...
Sein künstlerisches Engagement ist wirklich eine Therapie, eine Rückkehr zu den Spuren und Traumata der Vergangenheit; sei es seine persönliche Geschichte oder die von Anonymen. Er stellt die Biografie durch Fotografie, Erzählung, Sammlung oder Präsentation vertrauter Gegenstände dar. Er ist ein Symbol für die experimentelle Kunst der letzten Jahrzehnte. Er hinterfragt immer wieder die traditionellen Parameter des Kunstwerks und verbindet in seiner Arbeit die unterschiedlichsten Ausdrucksformen, wodurch er jede Klassifikation herausfordert. Außerdem verbindet er die Geschichte nicht nur mit einem bestimmten Kontext, sondern zieht daraus eine Frage für jetzt.
Ein großer Teil seiner Arbeit konzentriert sich auf das, was er "die Kleine" nennt.
Erinnerung
Er erinnert an die Episoden des Exodus oder des Holocaust, dank der Installationen, in denen er Kleidung in Kilos verteilt und so die fleischliche Realität der Geschichte und des Todes bezeugt. Tatsächlich stammen diese geschichtsträchtigen Gegenstände von jemandem. Eine Person hat sie ausgewählt, geliebt, aber das Leben, das sie trugen, ist jetzt tot: sie zu zeigen ist dann wie sie wiederzubeleben. Seine Werke gehen immer von so wenig wesentlichen Elementen wie Zeitungsausschnitten, rostigen Weißblechkästen, alten Fotografien, gebrauchten Kleidern und schwankenden Schatten aus.
*1990:
Es handelt
Boltanski behandelt also den Tod und den Krieg nicht als abstrakte Konzepte, sondern durch die kleine Geschichte. Die große Geschichte ist die Summe der kleinen Geschichten. Das kollektive Gedächtnis, das das Gedächtnis aller ist und nicht dem kleinen Gedächtnis jedes einzelnen entspricht, wird in diesem Fall zu dem eines Menschen.
Er zeigt uns also genau den Ort der Erinnerung, die als staubige und vergessene Archive verschleiert wird, auf die er sich bezieht. Die Erinnerung ist der zentrale Punkt seines Werkes.
Shimon Attie hat indes das ehemalige jüdische Viertel von Berlin eingenommen, das sich heute im östlichen Teil der Stadt befindet. Entlang dieser verlassenen und menschenleeren Straßen hat er eine originelle Installation geschaffen.
Er fand zunächst Fotos aus den 30er Jahren dieses Viertels mit den Vorführungen der jüdischen Boutiquen und deren Schildern. Er verwandelte sie in Dias und warf sie nachts vor Ort auf die Stellen, an denen sie aufgenommen worden waren.
Shimon Attie, Almstadtstraße (fruhere Grenadierstrasse) Ecke Schendelgasse, Berlin, 1994
Der Künstler begann seine Vorführungen im September 1991 und führte sie ein Jahr lang durch. Der Passant, der dort steht, wird schockiert und sieht buchstäblich Spektralbilder an den Straßenwänden. So sieht man auf einer heutigen Leprakolgie-Wand neben einem Buchhalter: Hebraische
Oder auch, im Inneren einer Veranda: Conditorei Cafe, wieder mit Silhouetten frommer Juden als Hut.
Diese Fotos sind beeindruckend durch den Kontrast, der zwischen der Dunkelheit der Straßen und diesen stark beleuchteten Bereichen entsteht, die in der Nacht des Vergessens als Lichtblick durchgehen. Im Mittelpunkt dieses Projekts steht die Abwesenheit selbst.
Die Installation selbst wurde mit ihren Lichtkontrasten fotografiert, so dass es definitionsgemäß eine Spur der vergänglichen Installation gibt.
Der Künstler nahm auch die Reaktionen der Nachbarn und Passanten auf. Anfangs waren sie eher für seine Ansiedlung, aber er spürte allmählich die wachsende Feindseligkeit ihm gegenüber. Diese Installationen waren beunruhigend: Tatsächlich ärgert der Schöpfer oft die Zeitgenossen, die lieber "vergessen" würden.
Ein Mann, der die Projektion auf sein eigenes Gebäude sah, rief ihm zu, dass seine Nachbarn glauben würden, er sei Jude und wolle die Polizei rufen ...!
Angesichts solcher Reaktionen stellt sich die Frage: Kann ein Ereignis wie das des Völkermords an den Juden während des Zweiten Weltkriegs in die städtische Landschaft, in den Stein und den Beton passen?
In den frühen 1970er Jahren fragte man sich, ob man nicht jedes Mal zwei Exemplare eines jeden Denkmals bauen sollte. Der erste, um einen historischen Zustand zu fixieren, der zweite ist dazu bestimmt, später verzerrt, transformiert und korrigiert zu werden und trägt ständig die Spur der Haltung der neuen Generationen ihm gegenüber.
Abschließend werden wir Ihnen eine Art von Kunst vorstellen, die sich zwischen dem Gedenken und der künstlerischen Darstellung befindet, ein allen Franzosen bekannter Ort, an dem enorme Arbeit geleistet wurde.
Während die grafische
Unweit des Denkmals befindet sich die Namensmauer, auf der die Namen von 76.000 deportierten und vernichteten Juden eingraviert sind. Diese Mauer gibt Kindern, Frauen und Männern eine Identität zurück, die einige Nazis zu entmenschlichen versucht haben.
Die Namensmauer hat eine echte symbolische Bedeutung. Tatsächlich sind seine Mauern sehr eng aneinander gedrängt, so dass die Menschen, die zwischen ihnen zirkulieren, ein Gefühl der Unterdrückung haben. Andere Symbole bleiben zu analysieren, wie die Schrift der Namen in Schwarz-auf-Weiß oder auch die Tatsache, dass sie nacheinander und nicht in Spalten geschrieben wurden. Fügen wir dazu die jüngsten Gedenkfeiern in Paris hinzu, und auch die Namensmauer gehört zu seinen unvergesslichen Denkmälern, die die Shoah in unser nun unauslöschliches Gedächtnis schreiben.
Die Kunst hat enorm zur Gedächtnisarbeit beigetragen. Durch die Symbolik der Shoah in allen Formen und zu allen Zeiten gelang es dem Menschen, eine Botschaft zu vermitteln: "Nie wieder so etwas." Das ist es, was die überlebenden Deportierten und ihre Angehörigen wollten, das haben wir selbst verstanden, und deshalb übermitteln auch wir diese Botschaft...
Das literarische Magazin
Le Monde
Die Welt der Bildung
Die Welt der Debatten
Beaux Arts Magazin
Maus
Auschwitz
Einführung in die Bildanalyse, Martine Joly
Internetadressen:
http://www.memorialdelashoah.fr/
http://perso.wanadoo.fr/d-d.natanson/artiste_milles.htm.
http://olivier.mercadier.free.fr/